Arte público en MAX línea verde

“Soy Christine Bourdette y mi obra se titula Cairns.

Mi inspiración para Cairns surgió de las pilas de piedras creadas por el hombre que históricamente sirvieron como puntos de referencia para la navegación, monumentos conmemorativos, rituales y marcadores conmemorativos. En todo el mundo, los viajeros que recorren rutas de senderismo a campo traviesa tradicionalmente agregan piedras a los montículos a medida que pasan, lo que a menudo da lugar a pilas animadas y a veces precarias de rocas y guijarros. Esta evidencia de nuestras idas y venidas, a menudo en forma humana bastante cómica, significa seguridad y tranquilidad en el desierto. En el desierto urbano, encontrar el camino a través de las distintas etapas de prisa y espera es igualmente significativo.

Me fascinan todas las formas en que mis conciudadanos y yo aprendemos a desenvolvernos en nuestro entorno. Mi intención específica para estas formas de piedra apiladas era tanto marcar el camino hacia la estación del tren ligero como celebrar los puntos de llegada y salida”.

“Soy Daniel Duford y mi obra se titula El hombre verde de Portland.

Con El hombre verde de Portland creé una leyenda falsa. La cosa es así: desde la fundación de Portland hubo avistamientos de pequeños arqueros verdes. Cada vez que el arquero alcanza a alguien con una flecha, su visión cambia. De las cabezas de los transeúntes crecen flores, aparece un edificio llamado The Greenwood y un árbol gigante se eleva sobre la ciudad. Ciertas noches se puede avistar un gran ciervo celestial blanco en el cielo de Portland.

La pieza consta de dos esculturas y ocho “marcadores de historias”, contados como un poema a lo largo de diez cuadras del casco antiguo y Chinatown. Las imágenes de los paneles combinan el lenguaje visual de los cómics de terror de los años setenta y los afiches de la WPA. Los peatones y pasajeros conocen la historia en fragmentos, dependiendo de su recorrido por el barrio.

La leyenda abarca todas las comunidades variadas y transitorias que tienen su hogar en Old Town y Chinatown. Mi gran esperanza para esta pieza es que El Hombre Verde de Portland se integre silenciosamente en el tejido y la historia multifacética de la comunidad”.

“Rick Bartow entreteje símbolos de paternidad y ciclos de vida a lo largo de su obra La responsabilidad de criar a un niño. En el centro de la escultura se encuentra el embaucador nativo americano, el coyote, que representa la vida desequilibrada. En la espalda del coyote está la máscara de la Abuela. En muchas comunidades tribales, las matriarcas son las médicas que devuelven el equilibrio a las vidas.

Sobre la máscara de la abuela se sienta un pájaro costero, el chorlito. Esta legendaria ave madre distrae a los depredadores que se acercan al nido actuando como si estuviera herida y alejar cojeando.

Representando las luchas de la paternidad, una pareja de salmones rodea una cesta de carga. Los salmones soportan grandes dificultades y finalmente abandonan sus propias vidas para tener hijos. Una lamprea se alimenta de un salmón macho, lo que nos muestra la interdependencia natural entre las especies.

Desde la cesta de carga se asomarse un bebé sonriente, inspirado en la hija del artista, Lily. La escultura comenzó expresando las difíciles circunstancias y la vida problemática de los padres solteros, a menudo los abuelos que intervienen para criar a un hijo. Pero cuando Bartow colocó a Lily en la cesta se convirtió en una obra esperanzadora, alentadora y optimista”.

"Whistlestop for an Organ Teacher, de Cris Bruch, fue diseñado para ser una pequeña isla de quietud en medio del bullicio urbano y la disonancia del centro de tránsito del centro. La escultura de acero inoxidable es lo suficientemente grande como para ocupar su lugar en un entorno público, pero es accesible y de escala humana.

La madre de Bruch era una organista y profesora consumada, y él creció pasando mucho tiempo rodeado de grandes órganos de tubos. Estos instrumentos construidos a mano, especialmente los órganos de acción mecánica, siempre le parecieron extraordinarios y fascinantes. Si bien la mayoría de la gente aprecia el sonido del instrumento y la estructura del órgano, a él le atraen los procesos que intervienen en su construcción.

El título tiene varias referencias. La palabra “whistlestop” se refiere a una época anterior, cuando los políticos hacían campaña desde el tren, llevando sus mensajes a distritos electorales de pueblos pequeños y lejanos. “Atajada”, en la terminología del órgano, significa una fila de tubos que hablan todos con una voz similar.

Aunque la escultura es silenciosa, hace una referencia directa al sonido”.

“El título de la escultura de John Buck, Lodge Grass, hace referencia a un pueblo en el condado de Big Horn, Montana, que originalmente fue poblado por nativos americanos. El nombre “alpiste” también se le da a una variedad de plantas empleadas por los pueblos indígenas para construir refugios. A medida que el medio ambiente evolucionó y plantas útiles como el pasto lodge desaparecieron, el cardo y otras malezas nocivas las reemplazaron, de la misma manera que las áreas silvestres fueron reemplazadas por desarrollos suburbanos.

En esta escultura, el artista sustituyó la cabeza y los hombros de la figura por símbolos e imágenes. Una forma es una figura abstracta que sugiere un tipi reflejado en el agua. La otra forma más dominante es la del cardo, la primera planta que vuelve a brotar luego de limpiar el terreno.

Para hacer Lodge Grass, Buck talló y cinceló la figura en madera laminada y luego la fundió en bronce. “La pátina verdosa es el color natural del bronce luego de estar expuesto a la intemperie durante un largo periodo de tiempo”.

"Floribunda, de Mark Calderon, es una de un serial de obras que el artista realizó a finales de los años noventa inspiradas en los peinados que se encuentran en la escultura budista japonesa de los siglos XII y XIII. Gran parte de su obra de ese periodo estaba inspirada en imágenes religiosas de culturas antiguas y consistía en piezas de tamaño mayor que el natural (con forma de cabeza) destinadas a ser exhibidas en una pared.

Floribunda es la única obra independiente de este serial. Está compuesto de dos hemisferios que se unen en una sola forma. Las costillas repetidas se elevan desde la base y se expanden a medida que voltean en el sentido de las agujas del reloj. Terminan en la línea media para encontrar con las costillas superiores, que voltean en sentido antihorario y culminan en un moño con forma de pluma. “El diseño y el patrón del peinado envuelven toda la forma, creando una obra terminada que es bastante abstracta”.

"Burls Will be Burls, de Bruce Conkle, es un homenaje a los muñecos de nieve y a los bosques del noroeste del Pacífico. Conkle considera que los muñecos de nieve son el proverbial “canario en la mina de carbón” del cambio climático, ya que no resistirán un calentamiento de más de unos pocos grados y deben evolucionar para sobrevivir a las condiciones cambiantes.

Las figuras de bronce fundido de Burls Will be Burls representan lo que podría suceder cuando un muñeco de nieve se derrite y nutre a un árbol vivo cercano. El agua es absorbida por las raíces y transporta el espíritu del muñeco de nieve derretido hasta el árbol, donde se manifiesta en forma de nudos. Al emplear cartón reciclado para modelar las bases, el artista crea monumentos a la vida anterior de los árboles antes de ser talados y convertidos en productos de papel.

Una de las figuras nudosas contempla una columna de bolas de nieve apiladas precariamente, mirando hacia su pasado helado y acuático mientras contempla su futuro. Esta formación columnar de esferas, pensada como un “muñeco de nieve sin fin”, es una variación de “Columna sin fin”, de Constantin Brancusi. La figura más alejada, más cercana a Pine Street, se esfuerza por ver las otras obras, intentando centrar tanto en la columna como en su propio nudo.

"Puzzle Tower, de Chris Gander, consta de cinco formas geométricas básicas diseñadas como una exploración de la simetría, el equilibrio visual y la creación de algo familiar a partir de algo desconocido o nuevo. El artista mantuvo intencionalmente estas formas básicas y ligeramente vagas en su origen; pueden considerar estructurales o arquitectónicas.

El acto de combinar estas formas de maneras nuevas, quizás inesperadas, planteó problemas interesantes a Gander como creador de objetos. Él equipara el acto de resolver estos problemas a las tendencias humanas básicas: búsqueda de significado, importancia y comprensión.

Así como los rompecabezas dependen de pistas y especulaciones para su resolución, Puzzle Tower invita a los espectadores a hacer conexiones, a especular y encontrar referencias personales significativas a partir de algo desconocido o poco familiar. La esperanza del artista es que puedan equiparar esta experiencia al acto de pensar y resolver”.

“Mi nombre es Malia Jensen y mi pieza se llama Pile.

Gran parte de mi trabajo involucra animales y objetos combinados en situaciones que sugieren una narrativa o una parábola. Pienso en Pile como un homenaje al Portland que conocí cuando era niño, un Portland más duro y valiente. Lo considero una especie de tótem de retratos que pueden ordenar en la mente para formar varias historias.

La caja como base representa la base agrícola de Oregony su tradición de trabajo práctico. La almohada es un sustituto del hogar, dondequiera que la encontremos. Las guías telefónicas reflejan mi afecto por el aspecto táctil de la información y la búsqueda, una reliquia de otra era en la que dependemos cada vez más de los medios electrónicos.

Las palomas y los cuervos son aves urbanas que viajan entre un entorno urbano pavimentado y un desierto aéreo que insinúa lo que se perdió. La paloma muestra una paciencia tolerante, mientras que el cuervo, más ambicioso y quizás imperioso, parece considerar cómo o hacia dónde ir a continuación.

Incluso mientras buscas tu camino, hacia un colectivo o hacia tu futuro, es útil considerar dónde estuviste”.

En Daddy Long Legs, Mel Katz combina elementos de escultura y pintura para crear un contrapunto y un contraste que se suman a la complejidad de la obra. El padre del artista era sastre y, mientras crecía, recibió la influencia que le brindó verlo trabajar con plantillas para cortar piezas de patrones.

Katz comenzó su carrera como pintor, pero luego de dedicar a la escultura descubrió que podía crear formas con colores. Cuando empleaba pintura sobre sus materiales, ya fuera madera, plástico u hormigón fundido, las variaciones lo devolvían al punto de partida como pintor.

Esta escultura de aluminio independiente mantiene una superficie plana, pero las formas interiores pintadas que se superponen y entrelazan dan la ilusión de dimensión. Para Katz, esto es una cuestión de pintura. La mitad inferior de la escultura, con sus formas negras alargadas y sus placas de base soldadas, sugieren perneras de pantalón. Esta se convirtió en la razón por la que lo llamó Papá Piernas Largas”.

“ Al concebir City Reflections, Patti Warashina pensó en la vida en una pasarela pública urbana. El centro de tránsito entre Salmon y Main, donde se encuentran sus dos esculturas de bronce, está en el corazón de Portland, donde los negocios, la vida cívica y la cultura se unen.

La figura de pie es una versión estilizada de una mujer fuerte en una forma tanto tradicional como minimalista. El perro guardián actúa como contrapeso a la figura femenina y es el amigable colega canino que forma parte de nuestra cultura popular.

Las formas geométricas negras en las esculturas de bronce hacen referencia a elementos del cuerpo humano y reflejan las formas y sombras de los edificios circundantes. Las sombras negras en la acera sirven como una transición natural para los peatones en la calle, además de indicar la hora del día.

Las formas de cobre más pequeñas esparcidas sobre la superficie de las figuras representan formas generadas por computadora, que hablan de los tiempos en los que vivimos”.

“Soy Mark R. Smith y mi obra se titula Leyendo la calle.

Leyendo la Calle consta de un serial de ocho paneles de vidrio con imágenes de figuras recortadas dispuestas en filas horizontales. A través del lenguaje corporal y los gestos, las imágenes están pensadas para ser leídas y descifradas como texto, mientras la obra aborda la naturaleza complicada de la interacción humana en las concurridas vías urbanas. A medida que las personas se cruzan, los encuentros pueden ser íntimos y anónimos al mismo tiempo. Estos encuentros también son multifacéticos y están condicionados por la percepción que cada individuo tiene de los arquetipos: el vendedor ambulante, el veterano discapacitado, el vicepresidente corporativo, el activista estudiantil o el aficionado a los deportes.

Mediante transparencias visuales y superposiciones de imágenes, intentaba ocultar cualquier lectura clara de la apariencia o el comportamiento de un individuo. Los cambios de luz y atmósfera afectan las superficies translúcidas de los paneles de vidrio. Bajo la iluminación directa, las figuras parecen algo estacionarias y fijas. Cuando los paneles están retroiluminados, las figuras parecen estar en constante cambio. En otras palabras, las personas no siempre son lo que parecen”.

“Soy Fernanda D'Agostino y mi trabajo se titula Hidrología Urbana.

Mi concepto para Hidrología Urbana fue crear un recorrido urbano visualmente atractivo que revele algunas de las investigaciones en ciencias ambientales que se llevan a cabo en la cercana PSU. Un profesor de allí me dijo que uno de los problemas que tenemos los humanos a la hora de abordar los problemas medioambientales es nuestra capacidad limitada para percibir a diferentes escalas. Muchas cosas importantes son simplemente demasiado pequeñas o demasiado grandes para que podamos comprenderlas. Esto me hizo pensar que sería valioso revelar algún fenómeno oculto, en individuo los hermosos organismos unicelulares empleados para evaluar la calidad del agua en los arroyos urbanos.

Doce diatomeas de gran tamaño talladas en granito están ubicadas en las franjas de biofiltración exclusivas de la parte sur del centro de tránsito. Colocarlos en las tiras de filtración de agua agrega una capa de soporte de contenido al paisaje. Sin que yo lo supiera, el proyecto se mostró recientemente como parte de una presentación en el Simposio de Diatomeas de América del Norte, deleitando a la audiencia de científicos.

Con Hidrología urbana intenté encontrar un equilibrio entre belleza, abstracción y contenido para atraer tanto a espectadores académicos como ocasionales”.

“ Con las cinco esculturas que componen Continuation, Michihiro Kosuge reutilizó el granito rojo de una instalación anterior de esculturas y fuentes en el centro comercial Colectivo. La ubicación designada para la obra fue inusual ya que abarcó los espacios exteriores del Hotel Modera así como la acera contigua. Para el artista, el material y el lugar presentaron tanto oportunidades como desafíos. En individuo, quería crear relaciones entre las múltiples piezas y permitir que cada una de ellas se destacara por sí sola.

Para el concepto, Kosuge comenzó estudiando las piedras, que eran relativamente pequeñas y con bordes curvos. Su tamaño y forma fueron fundamentales para determinar el aspecto final de la obra.

Las cinco esculturas resultantes implican elementos visuales interconectados que incluyen repetición, tensión y estabilidad. “Esperamos que cada espectador tenga una oportunidad única de disfrutar las piezas desde diferentes perspectivas y comprender la relación entre las formas escultóricas”.

“Soy Anne Storrs y mi obra se titula Tall and Fallen. La inspiración para Tall and Fallen surgió de la hermosa hoja en forma de abanico del Ginkgo biloba. Un grupo de estos árboles plantados alrededor de la plataforma de Main Street reforzaron mi idea de hacer esta escultura para esta estación.

La figura alta está formada por siete hojas de ginkgo abstractas, moldeadas en hormigón. La parte superior de la hoja tiene una muesca para que las piezas se entrelacen y se apilen dentro de cuatro postes de acero inoxidable. Me gusta esta combinación de materiales, y la forma en la que se ensamblan las piezas me hace pensar en un juego de montaje. También me recuerda a una columna vertebral, o tal vez a una planta emergente.

Caído, construido con las mismas hojas apiladas individualmente o en pares, sugiere las hojas caídas de los árboles ginkgo y es una metáfora del ordenamiento, la dispersión y el reordenamiento de las personas que viajan en el tren.

Algunos dicen que la hoja de este antiguo árbol, si se toma como extracto, ayuda a la memoria. Así que esta escultura podría ayudarte a recordar que ésta es la calle principal, y podrías recordar otras cosas también”.

“ Soy Carolyn Law y mi trabajo en la estación de Division Street se titula Sky to Earth.

Sky to Earth es una cerca revestida de vinilo de color azul cielo intenso que se extiende sobre el límite visual entre las vías del tren ligero de un lado, los carriles de la autopista I-205 del otro lado y la extensa topografía del terreno circundante.

La valla se puede ver a diferentes velocidades y desde diferentes ángulos. Su línea escultórica fluida y cambiante oscila entre lo estable y lo transparente y activa el sitio y la experiencia del pasajero al emplear el tren y la estación. También es visible para la gente en la autopista y en la calle.

El sitio Sky to Earth es un lugar intenso con una corriente sensorial subyacente del cielo y el viento. El viento es casi una constante. La hierba se ondula de forma elegante e hipnótica, registrando el capricho de la dirección del viento de un momento a otro. “La obra juega con esta noción mientras abarca toda la estación y todos los pasajeros”.

“ Soy Valerie Otani y mi escultura para la estación Powell Blvd se titula Money Tree.

Money Tree se inspiró en una escultura de bronce de 2000 años de antigüedad de la dinastía Han del Este que se encuentra en el Museo de Arte de Portland. Me encantó su forma de encaje, que me recordó al arte del corte de papel. Esto me llevó a hacer un árbol para East Portland que simbolizaría la revitalización del vecindario y la esperanza de prosperidad para las nuevas comunidades inmigrantes.

La forma general de Money Tree evoca al abeto Douglas, los árboles familiares que una vez estuvieron en este sitio. Cada sucursal toma su diseño del arte popular de las culturas del barrio. En China, una carpa en combinación con un loto transmite el deseo de años sucesivos de abundancia. Monedas de oro caen en cascada de la mano de la diosa india Lakshmi. Una rama única diseñada por el artista árabe-estadounidense, Huda Totonji, emplea caligrafía para formar las alas de un pájaro. “Encima de todo esto hay un fénix, símbolo de renacimiento que representa cómo la nueva línea de tren ligero contribuye a la regeneración del barrio”.

“ Soy Suzanne Lee y mi escultura se titula Visión compartida.

Las linternas son decoraciones festivas populares asociadas con la alegría y el regocijo y nos recuerdan la seguridad de una luz en la ventana.

Las linternas de la estación Holgate representan la prosperidad como la riqueza de la interacción social y la comunicación positivas: la esencia misma del vecindario. Abrazando a la familia, el hogar y la comunidad, mi escultura simboliza la revitalización de un área previamente identificada por bajos ingresos, alta criminalidad, indiferencia y división. Estas linternas con referencias culturales "iluminan el camino", enfatizando una sensación de bienestar y celebrando que se escuchen muchas voces.
La luz se define como algo que hace posible la visión. Empleando la luz como metáfora de una conciencia expandida, estas linternas reflejan el conocimiento público, la comprensión y la alegría.

Las formas y patrones de estas linternas se inspiraron en diseños tradicionales de las culturas asiática, rusa, europea, latinoamericana, africana, marroquí y nativa americana. “Shared Vision estimula tanto la memoria personal como la comunitaria, capturando culturas pasadas y presentes y reflejándolas en sus comunidades”.

“ Soy Brian Borrello y creé varias agrupaciones de esculturas que llamo Lents Hybrids.

Lents Hybrids en Lents Town Center es un serial de formas vegetales en espiral con “brotes” que generan energía a través de un sistema híbrido de generadores eólicos y solares. Las plantas evocan las hierbas largas que pueden crecer en los prados de los alrededores; los brotes simbolizan la belleza y el potencial que se despliegan en el vecindario de Lents.

También intenté hacer los Lents Hybrids como un elemento de señalización; haciéndolos altos y coloridos y ubicándolos a lo largo de la estación ayudará a los pasajeros a encontrar su camino hacia el área de la plataforma. También sirven como extrañas entidades biomórficas que responden a las condiciones ambientales actuales con su expresión de luz y movimiento.

Los aerogeneradores son turbinas de acceso vertical y voltean con la más mínima brisa, y los paneles solares recogen la energía de la luz solar incluso en días nublados. Por la noche, las esculturas emiten una iluminación LED azul, que está programada para expresar el rango de energía disponible; las esculturas brillarán suavemente con un “latido” intermitente a baja potencia y en momentos de alta ganancia de energía de un día soleado o ventoso, pulsarán rápidamente. Me gusta pensar en ellas como esculturas que cambian de día y de noche. Por la noche cobran vida como maravillosas flores nocturnas”.

“Soy Brian Borrello y creé el mapa de la cuenca hidrográfica de Johnson Creek.

Los mapas son una forma de conectar a las personas con lugares, guiándolas y permitiéndoles realizar un viaje mental antes de realizar el viaje físico real. Las personas encuentran lugares significativos a través de sus recordaciones y experiencias del espacio, y los mapas ayudan a facilitar esto. Con el Mapa de la Cuenca del Arroyo Johnson, quería recordar a los pasajeros, vecinos y comunidades de esa zona su cuenca hidrográfica regional, uno de los principales cursos de agua interiores de Portland.

Los cinco medallones circulares de acero inoxidable y cemento pigmentado en la estación SE Flavel representan los cinco afluentes que componen la cuenca del arroyo Johnson. En la estación, te encuentras a solo unos pies de Johnson Creek, un cuerpo de agua vital que fluye y al que se unen otros arroyos: Veterans Creek, Mitchell Creek, Kelly, Butler y Badger Creek. Todos ellos fluyen juntos hacia el río Willamette, que a su vez desemboca en el río Columbia y luego en el océano.

Leonardo da Vinci dijo: “Cuando pones tu mano en una corriente de agua, tocas lo último que pasó y lo primero de lo que está por venir”.

“Soy Pete Beeman y mi obra, una escultura de acero inoxidable y aluminio en la estación Fuller Road, se llama Waving Post.

Las formas de Waving Post son visualmente sugerentes sin ser demasiado explícitas. Cuando diseñé los elementos horizontales amarillos y rojos, quería que sugirieran cosas diferentes a distintos espectadores. Una persona podría acercar y ver una columna vertebral humana; otra podría ver un hueso de dinosaurio, alas de pájaro o incluso la estructura de un edificio.

La estación Fuller Road está ubicada en un antiguo barrio que lleva el nombre de una familia de la Ruta Oregon . Cuando se construyó la autopista, el barrio quedó dividido en dos y prácticamente eliminado. Cuando me di cuenta de que un trozo de una cuadra de Con Battin Road continuaba al otro lado de la I-205, quise hacer una escultura que pudiera saludar a ese trozo lejano de calle al otro lado.

Para mí es importante que el arte público sea atractivo. Waving Post invita a los espectadores a voltear la manivela, dar vida a la escultura y saludar a los vecinos”.

" La cadena de la vida de Richard Elliot combina elementos del simbolismo primordial con tecnología moderna. Rectángulos, estrellas, diamantes y formas de onda son imágenes empleadas por las culturas a lo largo de los siglos para describir el funcionamiento del cosmos. Los símbolos hablan de una comprensión profunda de la conexión interna de todas las cosas.

El primer eslabón de esta cadena está en los andenes de la estación. Los adoquines de ladrillo expresan un diseño inspirado en los patrones complejos de la cestería nativa de Clackamas.

El siguiente enlace en el tiempo rinde homenaje a los pioneros fabricantes de colchas Oregon . El estudio y la apreciación que el artista hizo durante mucho tiempo de las colchas inspiraron los diseños de acero cortado de los paneles de la barandilla.

Twisted Ribbon de Elliot, una obra de arte de veintiocho pies de altura instalada en las ventanas del ascensor que da al Clackamas Town Center, es el vínculo contemporáneo. Nueve paneles acrílicos revestidos con dos capas de reflectores multicolores sugieren un patrón de ADN en forma de cinta. “La brillante luz reflejada por Twisted Ribbon crea una energía que conecta el cuerpo y el espíritu”.